Удачно изобразить направленное освещение может оказаться сложной
задачей. Но это также может быть и приятным времяпровождением! Мягкое
освещение может быть очень драматичным и привлекательным. И есть большая
разница между визуально скучным изображением и тем, что пленит взор
наблюдателя и удерживает его некоторое время. Есть множество отраслей,
где может потребоваться применение изображения мягкого или сильного
направленного освещения.
Не создавайте иллюзий, один урок не в состоянии заменить Вам практику и необходимые художнику знания, но я попытаюсь показать Вам ключевые моменты в создании и формировании света в картине. Вы узнаете, почему насыщенность и цвет так важны в изображении вибрирующего, живого света. И почему использование белого цвета может сделать картину безжизненной и неестественной.
Даже не смотря на то, что в этом уроке я демонстрирую приемы изображения рассвета-пейзажа, главные идеи, отраженные здесь, можно применить к любой картине с мягким или сильным направленным освещением. И если Вы любите рисовать небо и пейзажи или хотите этому научиться – Вам повезло вдвойне!
Начнем с идеи произведения
Необязательный, но очень полезный шаг. Вам нужно определиться с общим настроением, тоном картины в целом и подобрать палитру. Лучше всего будет сделать предварительный цветной набросок. Но вместо этого я сделала быстрый черно-белый эскиз. Обычно, для идейного наброска я использую отдельный слой. Возьмите любую понравившуюся Вам кисть, при помощи которой будет удобно сделать набросок. Убедитесь, что Вы будете рисовать его на новом слое, а не на канве.
Основные цвета и набросок
Обычно, я сжимаю скетч до маленького размера, так что можно все время смотреть на него и в то же время набросок не загромождает пространство во время рисования. Итак, я кладу основной цвет на канву, можно для этого использовать инструмент заливка (fill bucket). Также я нанесла несколько горизонтальных линий, при помощи кисти из категории Oil Pastels, как и на наброске.
Начинаем рисовать
Начиная с этого момента, в основном, просто рисуем. Я пользуюсь кистью Chunky Oil Pastel, но Вы можете достичь интересного эффекта и любой другой кистью, чувствительной к нажатию пера, поэтому экспериментируйте! Я настраиваю обратный конец пера (выполняет функцию резинки, по умолчанию) так, чтобы при помощи него можно было делать растушевку. Для этого, используя обратный конец пера, выбираю кисть Blenders-Grainy Water. Это очень полезно для меня, т.к. в процессе работы я, обычно, чередую два основных процесса: рисование и растушевку. Как видите, нанесение общих цветовых масс и определение источника света на начальных стадиях рисования очень важны. На этом этапе я использую кисть достаточно крупного размера.
Установление источника света (продолжение)
Как правило, я использую стандартную бумагу, смягчаю ее при помощи изменения шкалы paper`s scale до 30 % и контрастности до 20 % (для этого, на панели инструментов щелкните на иконке бумаги (Papers), далее на стрелочку, расположенную справа, в раскрывшемся меню выберите Launch Palette – прим. пер.). Настраиваю прозрачность кисти (opacity) до 60% и зернистость (grain) до 80 %, и, взяв размер кисти побольше, начинаю грубо набрасывать светлые и темные участки. Очень важно начинать работать «от источника света». Обратите внимание на некоторые «хитрости», указанные в конце урока, чтобы помочь Вам в подборе цветов.
Изображение облаков
Я продолжаю грубо набрасывать основные цвета картины, используя крупные кисти, время от времени растушевывая нанесенные мазки. Я всегда работаю, учитывая расстояние (глубину) – небо находится дальше всего от зрителя, затем, дальние холмы и потом передний план. Я не использую для каждого из этих объектов отдельный слой, но если Вы хотите сделать так, никто Вам этого не запрещает. Возможно, таким образом, Вам будет легче работать с отдельными частями. Я традиционный художник, пользующийся компьютером, если можно так выразиться, поэтому всю работу, в основном, выполняю на одном слое, в данном случае, на канве. Вы же можете работать с таким количеством слоев, с каким только захотите. Здесь я спрятала уменьшенный набросок. Прятать слои можно, нажав на иконку-глазок рядом с ними на панели слоев.
Постепенно детализируем
Итак, пришло время сделать картинку более изящной. И снова я начинаю с заднего плана и двигаюсь ближе к зрителю. Поэтому вначале прорабатываю небо. Важно отметить, что я работаю над деталями в пределах уже существующих областей, что помогает не допустить «зарисовывания» других областей и делает рисование более последовательным и согласованным.
Использование пипетки
Чтобы сохранить выбранную цветовую гамму я часто пользуюсь пипеткой (eyedropper) выбирая уже положенные ранее цвета. Важно не только помнить направление света от источника, но и его цвет. Свет, наконец, не всегда белый. А облака, содержащие частицы воды, прекрасно преломляют и отражают свет. Так что, иногда, можно удивиться тому, какой цвет Вы используете.
Прорабатываем облака
Постепенно уменьшая размер кисти, я прорабатываю облака. Конечно, на самом деле, облака не такие плотные и твердые, но издалека именно так они и выглядят. Участки с самым высоким контрастом (например, те, где свет касается внешних краев облаков) имеют самую высокую детализацию. Если Вам нравится мягкий, сказочный вид, Вы можете на этом и остановиться, но мне хочется, чтобы мои облака были детализированы еще больше. Важно помнить, что форма облаков зависит от влажности, высоты над уровнем моря и других атмосферных факторов. Пушистые, перистые облака достаточно просты, но не всегда придают реалистичности и выразительности картине. Все зависит от того, чего Вы хотите. Как и во всяком деле, изучение объекта поможет Вам изобразить его более убедительно.
Завершение детализации облаков
Я могу продолжать детализировать облака до бесконечности, но важно не перестараться. Между наблюдателем и дальними облаками находится большой пласт воздуха и легкой дымки, поэтому они мягче и менее детализированы. Конечно, велик соблазн проскочить этот этап, но некачественный задний план может свести на нет всю картину. На то, чтобы нарисовать облака у меня ушло много часов.
Разберемся, как падает свет
При рисовании сильного направленного света есть очень большой соблазн осветлить всё и вся, но это убьет эффект направленного освещения. Вы должны понимать и учитывать очертания и форму каждого объекта картины, чтобы осознать и определить те места, на которые будет падать свет. Изучите их, чтобы было легче представить, какой формы должны быть облака, чтобы свет ложился именно так как есть на картинке.
Начинаем рисовать передний план
Холмы на заднем плане нуждаются лишь в легком касании, т.к. я оставила их просто-напросто для создания глубины картины. Я не добавляю светлых оттенков и бликов, т.к., в основном, большая часть света будет касаться именно той стороны, что смотрит не в нашу сторону, и мне не хотелось бы перестараться со светлыми оттенками. Итак, используя кисть крупного размера, я корректирую оттенки переднего плана, где будут расположены скалы.
Рисуем скалы
И снова, я постепенно детализирую первоначальную область, где были намечены скалы, начиная кистью крупного диаметра. Здесь я призадумалась, чтобы решить, какая из скал выше и будет отбрасывать тень на другие. И хотя скалы преимущественно серые, наш источник света дает желтый (восход солнца) и пурпурный/голубой (не растаявшие пока еще до конца сумерки) цвета. Окружающий свет гораздо слабее и тусклее, чем свет от солнца, так что будьте внимательны при создании светового эффекта. Несмотря на то, что я стараюсь достичь изображения, соответствующего естественному, природному, иногда можно немножко приврать, усиливая световой эффект. Дело в том, что при таком угле падения, свет, возможно, не будет так сильно отражаться прямо в глаза зрителю, но, рисуя живописную картину Вам, иногда, придется рисовать то, что хотелось бы увидеть. Человеческий глаз может воспринять гораздо больше, чем то, что я могу лишь надеяться передать в картине. Используйте воображение.
Все дело в форме
Я снова вернулась к своему маленькому набросочку, чтобы посмотреть, как будут располагаться деревья, и использовала это при рисовании скал, т.к. мне нужно было знать, где корни деревьев уходят вглубь скалы. Надо ведь и для них оставить немножко места. Как и при проработке облаков, форма скал, камней, поможет Вам осветить их правильно. Плоские камни стремятся отразить больше света вверх, а округлые пытаются поймать его на своей дальней стороне.
Использование насыщенности при создании светового эффекта
Убедительность изображения света заключается не только в передаче его яркости. Но также и в передаче его насыщенности. Обратите внимание на то, что наиболее насыщенные области находятся не там, где присутствует собственно самый яркий свет. А именно там, где лежит переходная область между светом и тенью. На нашей картине – это насыщенная область оранжевого цвета между самым белым светом и пурпурной тенью. Вы только представьте себе, как бы это выглядело, если бы этот переход был просто от мягко желтого до пурпурного. Не правда ли, выглядит ненатурально, словно из пластика? Этот прием Вы можете соблюдать практически при любом сильном освещении. К примеру, посмотрите на свою руку под лучами сильного освещения и понаблюдайте за тем, где цвет будет наиболее насыщенным.
Начинаем рисовать деревья
И хотя обычно я работаю на одном слое (canvas), здесь я все же создала новый слой для деревьев. Если вдруг я где-то ошибусь, то будет гораздо легче исправить это, т.к. есть возможность при этом даже не касаться фона, над которым я работал так долго. Итак, прежде всего, я нарисовала основные контуры деревьев темным цветом, пользуясь все той же первоначальной палитрой. Немножко о том, как выбирать цвета, - здесь, иногда, Painter способен Вам помочь. Когда подбираешь цвет – например, для стволов деревьев – не имея достаточно большого опыта, сложно точно знать, какой цвет использовать. Если Вы выберете красивый коричневый цвет, который, как Вы думаете, больше всего соответствует цвету коры дерева, то он будет смотреться здесь как совсем чужой. Постарайтесь наносить выбранный Вами цвет очень легко, едва касаясь поверхности уже существующей картинки. Если Ваш мазок будет достаточно легким, то цвет его будет чем-то средним между тем цветом, который Вы выбрали и тем, что лежит на заднем плане. Пользуйтесь пипеткой (Eyedropper) чтобы выбрать этот цвет и посмотреть на него. Я пользуюсь этим, чтобы помочь себе найти цвет, который мне нужен для изображения стволов деревьев. Посмотрите, на каком оттенке я в итоге остановилась! Ненасыщенная маджента…???!!!Странно! Но он выглядит абсолютно естественно в этой картине, когда я начинаю наносить его.
Детализируем веточки
На данном этапе деревья представляют собой лишь силуэты (камни рядом тоже, но ведь гладкий камень гораздо лучше отражает свет, чем кора дерева). При помощи более мелких кисточек я начинаю дорисовывать маленькие веточки. Более светлый оттенок позволит создать впечатление веточек, освещенных лучами солнца, плавно и гармонично появляющихся в сумерках. Не хочу делать это со всех сторон каждой веточки – так можно испортить впечатление и придать деревьям светящийся ореол, они выпадут из цельной картинки.
Освещение деревьев
Пришло время изобразить игру света на деревьях. Солнечные лучи при таком угле падения будут освещать только часть стволов. И действительно, не весь отраженный свет будет виден нам. Помните, что деревья, в основном, имеют цилиндрическую форму, так что свет будет касаться только краев коры, как бы окутывая деревце. Я также добавила немного теней на каждую веточку. Вообще-то, все это немного грубовато сделано, потому что я была в жутком цейтноте, делая этот урок. Поэтому, если у Вас есть время, сделайте то, чего не успела сделать я, создавая тем самым более изящную картину. Старайтесь не спешить.
Соединяем все вместе
Растушевка и объединение деревьев со скалами могут быть сложными. Я нарисовала корни, проникающие между камнями скал, и затемнила те участки камней, которые будут находиться в тени от деревьев. Я также добавила несколько маленьких веточек, растущих между камнями. И еще у деревьев появились крошечные ростки и почки. По всей видимости, у нас здесь наступает ранняя весна. Кстати, этот кусочек картины выглядит холодным, и наглядно демонстрирует нам, что одна и та же картина, будучи обрезана по-разному, может выглядеть абсолютно по-другому.
Некоторые финальные штрихи
На этом этапе я внимательно изучаю всю картину и исправляю все, что посчитаю нужным. Добавляя завершающие штрихи. Иногда очень здорово помогает освежить взгляд на картину обычное отражение ее по горизонтали. Здесь я добавила немножко больше признаков весны и ястреба, сидящего на ветке для композиционного баланса. Просто несколько приукрасила картину. Поработав над ней еще немного, я пришла к выводу, что она уже почти смотрится законченной. Здесь, обычно, я начинаю работу над основным объектом, персонажем – будь то дракон, грифон, крылатый шестилапый волк или человек…не важно…Задний план достаточно хорошо проработан, чтобы прекрасно дополнить что-нибудь. (Пометка – когда я работала над этим уроком, меня попросили не рисовать дракона или еще что-нибудь там…эх…это уже похоже на манию.)
Обработка финальной картины
И вот, я использовала Tonal Control, в основном, регулируя яркость/контраст, чтобы сделать картинку немножко более привлекательной. Высокий контраст всегда притягивает взгляд, но если перестараться, то картина может выглядеть грубо и даже неприятно. Иногда приходится подольше поиграть с настройками, чтобы получить тот вариант, что Вас устроит. И сейчас я могу сказать это, раз этот урок не попадет в журнал по Painter, - обычно я сохраняю файл в формате .psd и затем открываю его в Photoshop Elements (эта программа шла в комплекте с моим планшетом Wacom и является урезанной версией Photoshop) и обрабатываю картинку там. Я пользуюсь Painter чтобы рисовать, но Photoshop выигрывает при обработке изображения, по настройкам цветов, контраста, яркости и т.д. Обычно, я пользуюсь настройками Уровней (Levels – нажмите ctrl+L для появления окна Уровней) и, иногда, использую (совсем чуть-чуть) «unsharp mask» (Filters-Sharpen).
Несколько слов о световом эффекте – как избежать безжизненной, пластиковой картинки
Один из простых способов испортить освещение или сделать его пластиковым и неестественным – это начать использовать неподходящие цвета. Очень просто соблазниться использовать чисто белый и черный цвета. Даже если это выглядит логично, когда Вы рисуете что-нибудь в цвете, используя эти два цвета – вот то, на чем попадаются многое художники. Если Вы хотите поспорить с этим, просто возьмите несколько фотографий с разными источниками освещения и используя пипетку проверьте некоторые цвета. Конечно, все это может быть неубедительно для Вас, ведь ничего не учит нас так хорошо как это делают практика и опыт. Хорошо будет просто сделать быстрый рисунок чего-нибудь, пользуясь черным и белым для написания теней и бликов, а затем нарисовать то же самое, но без использования этих цветов. И вот тогда-то Вы, наверное, будете сильно удивлены разительному отличию этих двух картинок. Когда же Вы рисуете свет, особенно сильный «цветной» свет, как при закате или восходе солнца, просто возьмите для примера несколько хороших работ или даже фотографий. И Вы увидите, что природа создает очень красивые и приятные цвета – желтый/янтарный свет и темно-синие/пурпурные тени.
Надеюсь, что этот урок был для Вас полезным! Финальный результат:
Не создавайте иллюзий, один урок не в состоянии заменить Вам практику и необходимые художнику знания, но я попытаюсь показать Вам ключевые моменты в создании и формировании света в картине. Вы узнаете, почему насыщенность и цвет так важны в изображении вибрирующего, живого света. И почему использование белого цвета может сделать картину безжизненной и неестественной.
Даже не смотря на то, что в этом уроке я демонстрирую приемы изображения рассвета-пейзажа, главные идеи, отраженные здесь, можно применить к любой картине с мягким или сильным направленным освещением. И если Вы любите рисовать небо и пейзажи или хотите этому научиться – Вам повезло вдвойне!
Начнем с идеи произведения
Необязательный, но очень полезный шаг. Вам нужно определиться с общим настроением, тоном картины в целом и подобрать палитру. Лучше всего будет сделать предварительный цветной набросок. Но вместо этого я сделала быстрый черно-белый эскиз. Обычно, для идейного наброска я использую отдельный слой. Возьмите любую понравившуюся Вам кисть, при помощи которой будет удобно сделать набросок. Убедитесь, что Вы будете рисовать его на новом слое, а не на канве.
Основные цвета и набросок
Обычно, я сжимаю скетч до маленького размера, так что можно все время смотреть на него и в то же время набросок не загромождает пространство во время рисования. Итак, я кладу основной цвет на канву, можно для этого использовать инструмент заливка (fill bucket). Также я нанесла несколько горизонтальных линий, при помощи кисти из категории Oil Pastels, как и на наброске.
Начинаем рисовать
Начиная с этого момента, в основном, просто рисуем. Я пользуюсь кистью Chunky Oil Pastel, но Вы можете достичь интересного эффекта и любой другой кистью, чувствительной к нажатию пера, поэтому экспериментируйте! Я настраиваю обратный конец пера (выполняет функцию резинки, по умолчанию) так, чтобы при помощи него можно было делать растушевку. Для этого, используя обратный конец пера, выбираю кисть Blenders-Grainy Water. Это очень полезно для меня, т.к. в процессе работы я, обычно, чередую два основных процесса: рисование и растушевку. Как видите, нанесение общих цветовых масс и определение источника света на начальных стадиях рисования очень важны. На этом этапе я использую кисть достаточно крупного размера.
Установление источника света (продолжение)
Как правило, я использую стандартную бумагу, смягчаю ее при помощи изменения шкалы paper`s scale до 30 % и контрастности до 20 % (для этого, на панели инструментов щелкните на иконке бумаги (Papers), далее на стрелочку, расположенную справа, в раскрывшемся меню выберите Launch Palette – прим. пер.). Настраиваю прозрачность кисти (opacity) до 60% и зернистость (grain) до 80 %, и, взяв размер кисти побольше, начинаю грубо набрасывать светлые и темные участки. Очень важно начинать работать «от источника света». Обратите внимание на некоторые «хитрости», указанные в конце урока, чтобы помочь Вам в подборе цветов.
Изображение облаков
Я продолжаю грубо набрасывать основные цвета картины, используя крупные кисти, время от времени растушевывая нанесенные мазки. Я всегда работаю, учитывая расстояние (глубину) – небо находится дальше всего от зрителя, затем, дальние холмы и потом передний план. Я не использую для каждого из этих объектов отдельный слой, но если Вы хотите сделать так, никто Вам этого не запрещает. Возможно, таким образом, Вам будет легче работать с отдельными частями. Я традиционный художник, пользующийся компьютером, если можно так выразиться, поэтому всю работу, в основном, выполняю на одном слое, в данном случае, на канве. Вы же можете работать с таким количеством слоев, с каким только захотите. Здесь я спрятала уменьшенный набросок. Прятать слои можно, нажав на иконку-глазок рядом с ними на панели слоев.
Постепенно детализируем
Итак, пришло время сделать картинку более изящной. И снова я начинаю с заднего плана и двигаюсь ближе к зрителю. Поэтому вначале прорабатываю небо. Важно отметить, что я работаю над деталями в пределах уже существующих областей, что помогает не допустить «зарисовывания» других областей и делает рисование более последовательным и согласованным.
.
Использование пипетки
Чтобы сохранить выбранную цветовую гамму я часто пользуюсь пипеткой (eyedropper) выбирая уже положенные ранее цвета. Важно не только помнить направление света от источника, но и его цвет. Свет, наконец, не всегда белый. А облака, содержащие частицы воды, прекрасно преломляют и отражают свет. Так что, иногда, можно удивиться тому, какой цвет Вы используете.
Прорабатываем облака
Постепенно уменьшая размер кисти, я прорабатываю облака. Конечно, на самом деле, облака не такие плотные и твердые, но издалека именно так они и выглядят. Участки с самым высоким контрастом (например, те, где свет касается внешних краев облаков) имеют самую высокую детализацию. Если Вам нравится мягкий, сказочный вид, Вы можете на этом и остановиться, но мне хочется, чтобы мои облака были детализированы еще больше. Важно помнить, что форма облаков зависит от влажности, высоты над уровнем моря и других атмосферных факторов. Пушистые, перистые облака достаточно просты, но не всегда придают реалистичности и выразительности картине. Все зависит от того, чего Вы хотите. Как и во всяком деле, изучение объекта поможет Вам изобразить его более убедительно.
Завершение детализации облаков
Я могу продолжать детализировать облака до бесконечности, но важно не перестараться. Между наблюдателем и дальними облаками находится большой пласт воздуха и легкой дымки, поэтому они мягче и менее детализированы. Конечно, велик соблазн проскочить этот этап, но некачественный задний план может свести на нет всю картину. На то, чтобы нарисовать облака у меня ушло много часов.
Разберемся, как падает свет
При рисовании сильного направленного света есть очень большой соблазн осветлить всё и вся, но это убьет эффект направленного освещения. Вы должны понимать и учитывать очертания и форму каждого объекта картины, чтобы осознать и определить те места, на которые будет падать свет. Изучите их, чтобы было легче представить, какой формы должны быть облака, чтобы свет ложился именно так как есть на картинке.
Начинаем рисовать передний план
Холмы на заднем плане нуждаются лишь в легком касании, т.к. я оставила их просто-напросто для создания глубины картины. Я не добавляю светлых оттенков и бликов, т.к., в основном, большая часть света будет касаться именно той стороны, что смотрит не в нашу сторону, и мне не хотелось бы перестараться со светлыми оттенками. Итак, используя кисть крупного размера, я корректирую оттенки переднего плана, где будут расположены скалы.
Рисуем скалы
И снова, я постепенно детализирую первоначальную область, где были намечены скалы, начиная кистью крупного диаметра. Здесь я призадумалась, чтобы решить, какая из скал выше и будет отбрасывать тень на другие. И хотя скалы преимущественно серые, наш источник света дает желтый (восход солнца) и пурпурный/голубой (не растаявшие пока еще до конца сумерки) цвета. Окружающий свет гораздо слабее и тусклее, чем свет от солнца, так что будьте внимательны при создании светового эффекта. Несмотря на то, что я стараюсь достичь изображения, соответствующего естественному, природному, иногда можно немножко приврать, усиливая световой эффект. Дело в том, что при таком угле падения, свет, возможно, не будет так сильно отражаться прямо в глаза зрителю, но, рисуя живописную картину Вам, иногда, придется рисовать то, что хотелось бы увидеть. Человеческий глаз может воспринять гораздо больше, чем то, что я могу лишь надеяться передать в картине. Используйте воображение.
Все дело в форме
Я снова вернулась к своему маленькому набросочку, чтобы посмотреть, как будут располагаться деревья, и использовала это при рисовании скал, т.к. мне нужно было знать, где корни деревьев уходят вглубь скалы. Надо ведь и для них оставить немножко места. Как и при проработке облаков, форма скал, камней, поможет Вам осветить их правильно. Плоские камни стремятся отразить больше света вверх, а округлые пытаются поймать его на своей дальней стороне.
Использование насыщенности при создании светового эффекта
Убедительность изображения света заключается не только в передаче его яркости. Но также и в передаче его насыщенности. Обратите внимание на то, что наиболее насыщенные области находятся не там, где присутствует собственно самый яркий свет. А именно там, где лежит переходная область между светом и тенью. На нашей картине – это насыщенная область оранжевого цвета между самым белым светом и пурпурной тенью. Вы только представьте себе, как бы это выглядело, если бы этот переход был просто от мягко желтого до пурпурного. Не правда ли, выглядит ненатурально, словно из пластика? Этот прием Вы можете соблюдать практически при любом сильном освещении. К примеру, посмотрите на свою руку под лучами сильного освещения и понаблюдайте за тем, где цвет будет наиболее насыщенным.
Начинаем рисовать деревья
И хотя обычно я работаю на одном слое (canvas), здесь я все же создала новый слой для деревьев. Если вдруг я где-то ошибусь, то будет гораздо легче исправить это, т.к. есть возможность при этом даже не касаться фона, над которым я работал так долго. Итак, прежде всего, я нарисовала основные контуры деревьев темным цветом, пользуясь все той же первоначальной палитрой. Немножко о том, как выбирать цвета, - здесь, иногда, Painter способен Вам помочь. Когда подбираешь цвет – например, для стволов деревьев – не имея достаточно большого опыта, сложно точно знать, какой цвет использовать. Если Вы выберете красивый коричневый цвет, который, как Вы думаете, больше всего соответствует цвету коры дерева, то он будет смотреться здесь как совсем чужой. Постарайтесь наносить выбранный Вами цвет очень легко, едва касаясь поверхности уже существующей картинки. Если Ваш мазок будет достаточно легким, то цвет его будет чем-то средним между тем цветом, который Вы выбрали и тем, что лежит на заднем плане. Пользуйтесь пипеткой (Eyedropper) чтобы выбрать этот цвет и посмотреть на него. Я пользуюсь этим, чтобы помочь себе найти цвет, который мне нужен для изображения стволов деревьев. Посмотрите, на каком оттенке я в итоге остановилась! Ненасыщенная маджента…???!!!Странно! Но он выглядит абсолютно естественно в этой картине, когда я начинаю наносить его.
Детализируем веточки
На данном этапе деревья представляют собой лишь силуэты (камни рядом тоже, но ведь гладкий камень гораздо лучше отражает свет, чем кора дерева). При помощи более мелких кисточек я начинаю дорисовывать маленькие веточки. Более светлый оттенок позволит создать впечатление веточек, освещенных лучами солнца, плавно и гармонично появляющихся в сумерках. Не хочу делать это со всех сторон каждой веточки – так можно испортить впечатление и придать деревьям светящийся ореол, они выпадут из цельной картинки.
Освещение деревьев
Пришло время изобразить игру света на деревьях. Солнечные лучи при таком угле падения будут освещать только часть стволов. И действительно, не весь отраженный свет будет виден нам. Помните, что деревья, в основном, имеют цилиндрическую форму, так что свет будет касаться только краев коры, как бы окутывая деревце. Я также добавила немного теней на каждую веточку. Вообще-то, все это немного грубовато сделано, потому что я была в жутком цейтноте, делая этот урок. Поэтому, если у Вас есть время, сделайте то, чего не успела сделать я, создавая тем самым более изящную картину. Старайтесь не спешить.
Соединяем все вместе
Растушевка и объединение деревьев со скалами могут быть сложными. Я нарисовала корни, проникающие между камнями скал, и затемнила те участки камней, которые будут находиться в тени от деревьев. Я также добавила несколько маленьких веточек, растущих между камнями. И еще у деревьев появились крошечные ростки и почки. По всей видимости, у нас здесь наступает ранняя весна. Кстати, этот кусочек картины выглядит холодным, и наглядно демонстрирует нам, что одна и та же картина, будучи обрезана по-разному, может выглядеть абсолютно по-другому.
Некоторые финальные штрихи
На этом этапе я внимательно изучаю всю картину и исправляю все, что посчитаю нужным. Добавляя завершающие штрихи. Иногда очень здорово помогает освежить взгляд на картину обычное отражение ее по горизонтали. Здесь я добавила немножко больше признаков весны и ястреба, сидящего на ветке для композиционного баланса. Просто несколько приукрасила картину. Поработав над ней еще немного, я пришла к выводу, что она уже почти смотрится законченной. Здесь, обычно, я начинаю работу над основным объектом, персонажем – будь то дракон, грифон, крылатый шестилапый волк или человек…не важно…Задний план достаточно хорошо проработан, чтобы прекрасно дополнить что-нибудь. (Пометка – когда я работала над этим уроком, меня попросили не рисовать дракона или еще что-нибудь там…эх…это уже похоже на манию.)
Обработка финальной картины
И вот, я использовала Tonal Control, в основном, регулируя яркость/контраст, чтобы сделать картинку немножко более привлекательной. Высокий контраст всегда притягивает взгляд, но если перестараться, то картина может выглядеть грубо и даже неприятно. Иногда приходится подольше поиграть с настройками, чтобы получить тот вариант, что Вас устроит. И сейчас я могу сказать это, раз этот урок не попадет в журнал по Painter, - обычно я сохраняю файл в формате .psd и затем открываю его в Photoshop Elements (эта программа шла в комплекте с моим планшетом Wacom и является урезанной версией Photoshop) и обрабатываю картинку там. Я пользуюсь Painter чтобы рисовать, но Photoshop выигрывает при обработке изображения, по настройкам цветов, контраста, яркости и т.д. Обычно, я пользуюсь настройками Уровней (Levels – нажмите ctrl+L для появления окна Уровней) и, иногда, использую (совсем чуть-чуть) «unsharp mask» (Filters-Sharpen).
Несколько слов о световом эффекте – как избежать безжизненной, пластиковой картинки
Один из простых способов испортить освещение или сделать его пластиковым и неестественным – это начать использовать неподходящие цвета. Очень просто соблазниться использовать чисто белый и черный цвета. Даже если это выглядит логично, когда Вы рисуете что-нибудь в цвете, используя эти два цвета – вот то, на чем попадаются многое художники. Если Вы хотите поспорить с этим, просто возьмите несколько фотографий с разными источниками освещения и используя пипетку проверьте некоторые цвета. Конечно, все это может быть неубедительно для Вас, ведь ничего не учит нас так хорошо как это делают практика и опыт. Хорошо будет просто сделать быстрый рисунок чего-нибудь, пользуясь черным и белым для написания теней и бликов, а затем нарисовать то же самое, но без использования этих цветов. И вот тогда-то Вы, наверное, будете сильно удивлены разительному отличию этих двух картинок. Когда же Вы рисуете свет, особенно сильный «цветной» свет, как при закате или восходе солнца, просто возьмите для примера несколько хороших работ или даже фотографий. И Вы увидите, что природа создает очень красивые и приятные цвета – желтый/янтарный свет и темно-синие/пурпурные тени.
Надеюсь, что этот урок был для Вас полезным! Финальный результат:
