КОМПОЗИЦИЯ И КРИТИЧЕСКОЕ МЫШЛЕНИЕ ЯВЛЯЮТСЯ ВАЖНЫМИ НАВЫКАМИ, КОТОРЫМИ КАЖДЫЙ ХУДОЖНИК ДОЛЖЕН ОВЛАДЕТЬ.
Прочтите, и вы задумаетесь о том, каким бы методом вы воспользовались для своей следующей работы.
5: ОСНОВЫ КОМПОЗИЦИИ
Теперь, когда вы уже знаете о линейной, угловой и трехточечной перспективе, пришло время научиться использовать эти знания с максимальной эффективностью. Какой толк от знаний перспективы, если вы знаете, что именно делает рисунок особенным?
Знание композиции является важнейшим навыком, которым должен овладеть любой иллюстратор.
ПЕРВЫМ ДЕЛОМ
Любая композиция начинается с одной вещи: кадра. Невозможно создать композицию, не зная заранее размер, высоту и ширину вашего рисунка. В анимации и кино используются заранее заданные параметры для композиций, известные как Соотношение Сторон (Aspect Ratios). Ниже представлены некоторые из основных соотношений сторон, которые используются на сегодняшний день:
Соотношение сторон это не заранее установленные размеры пикселей. Это лишь метод поддержания определенного уровня стандартизации в кадрировании. Распространенный сегодня формат 16:9 это 1920х1080 пикселей для телевизора с высокой разрешающей способностью. Если вы решили создать рисунок в формате 16:9, это вовсе не значит, что вы должны использовать это разрешение изображения. Все, что вам нужно сделать, это воспроизвести соотношение 16:9. Таким образом, вы сможете нарисовать рисунок, который будет, скажем, 7200х4050 пикселей. Несмотря на то, что размер намного больше, это все же формат 16:9.
Использование стандартных соотношений сторон вовсе не требуется, если вы создаете иллюстрацию для печати или работы, а не для телевидения или фильма. Тем не менее, их надо знать и они могут стать очень хорошей опорой в начале вашего пути.
Далее в Части 2 данного урока я буду использовать для своих примеров формат 3:2.
ПОИСК НАИЛУЧШЕГО КАДРА
Вернемся к главе 1 Части 1, помните три примера, которые я нарисовал для иллюстрации линии горизонта на разных уровнях в пределах кадра рисунка? Это композиция.
Мы можем найти и сравнить различные возможные композиции для сцены, просто используя линии. В отличие от Главы 1, эти линии не будут представлять собой линию горизонта. Вместо этого, они будут показывать возможные композиционные элементы в сцене. Такие элементы, как центр фокуса и вовлеченные в кадр объекты. Давайте посмотрим на некоторые примеры различных композиционных возможностей:
Обратите внимание на эти три примера, взятые из Главы 1. Если бы линия горизонта была областью самой важной детали и находилась бы в фокусе, то первая и третья композиции были бы более выигрышными, чем вторая, благодаря своей асимметрии. Композиция на второй картинке поделила плоскость рисунка ровно пополам. Верхняя часть равна нижней, и такая композиция уже не так интересна.
Теперь посмотрите на эти три примера. Две вертикальные линии в первом примере делят рисунок на три абсолютно равных прямоугольника. Если бы вам нужно было сделать рисунок с такой композицией, у вас получилось бы что-то очень слабенькое. Сравните первую и вторую композиции. Мы уже становимся ближе к тому, чтобы создать нечто интересное, сдвинув обе линии ближе друг к другу, чтобы сузить прямоугольник посередине. Теперь появилась область в композиции, которая выбивается из общей картинки, и могла бы стать отличным центром фокуса. Такая композиция отлично подошла бы для картинки с заданной симметрией. Однако, для чего-то более динамичного, приглядитесь к третьей композиции. Отодвинув линии в бок, мы меняем картинку, чтобы все три прямоугольника стали разного размера. Тонкий прямоугольник в центре привлекает ваше внимание, тогда как большой квадрат смотрится так, будто он мог бы содержать в себе что-то, что поддерживало бы средний прямоугольник или обрамляло его для баланса. Например, два прямоугольника слева могли бы быть полны деталей для нашего центра фокуса, а большой квадрат справа мог бы содержать что-то просторное и менее значимое для контраста.
Композиция хороша тогда, когда она заставляет двигаться взгляд по рисунку. Когда вы создаете композицию, в которой все пространственные деления равны между собой, центра фокуса не будет, и рисунок не будет ничем привлекать внимание. Если вы посмотрите на пример выше справа, все стороны в нем одинаковы. В нем нет никакой динамики, которая бы могла заинтересовать зрителя. На примере справа присутствуют элементы, которые двигаются по полотну и ваш взгляд концентрируется на том месте, где большинство линий пересекается. Эта область в вашей композиции будет центром фокуса, центр наивысшего интереса.
Выше представлены примеры эскизов композиций в стиле ретро. Мне нравится придавать своим эскизам глубину, поэтому я рисую несколько линий, скрывающихся за другими, или линии, которые прерываются или меняют свое направление при столкновении с другой линией. На первом рисунке я использую большие темные пространства, которыми окружаю детализированный центр, где сидит человек. На втором рисунке я использую серию вертикальных и горизонтальных линий, чтобы привлечь внимание к тем зонам, где больше деталей. Я также использовал однотонно залитые участки цвета, чтобы придать некоторую глубину или весомость. На третьем рисунке я использую эскиз больше как основу для нахождения правильной перспективы сцены и для того, чтобы посмотреть, где лучше всего расположить центр фокуса.
Ниже представлено еще несколько примеров композиции с использование только вертикальных, горизонтальных и диагональных линий.
ТЕОРИИ КОМПОЗИЦИОННОГО ПРОЕКТИРОВАНИЯ
Теории композиционного проектирования это идеи постановки и технических подходов к вашему рисунку. Это те вещи, к которым нужно относиться критично. Эти теории могут помочь создать основу, которая поможет вам получить в итоге очень сильный красивый рисунок.
Всегда учитывайте следующие вещи:
СВЕТОТЕНЬ:
Светотень – это тональная структура к вашему рисунку. Можно представить светотень, как светлое и темное объекта, а не его цветов. На рисунке, содержащем полный масштаб светотени, присутствуют тона, начиная с белого и заканчивая черным. Светотень является одним из самых сильных элементов, способных направлять взгляд зрителя к определенным объектам на вашем рисунке, в зависимости от того, как вы распределяете свет и тени.
КОНТРАСТ:
Тогда как светотень относится к определенному тону или диапазону тонов, контраст – это то, как эти тона используются. Контраст – это прямое отношение одного тона к другому. Области с высоким контрастом отличаются большой разницей в тонах, начиная от яркого заканчивая темным, с минимальными переходами. Области с меньшим контрастом имеют меньше изменений в объеме от тона к тону. Ночная сцена без какого-либо освещения – низко контрастная картина, потому что все выполнено в черном цвете, с легким переходом к более яркому цвету.
Контраст очень сильно привлекает внимание. Взгляд всегда тянется к высокой контрастности. Обычно области с наибольшим контрастом должны составлять в себе наиболее интересную сцену, тогда как области с низким контрастом должны быть менее значимыми.
Низкий контраст
Высокий контраст
Область низкого контраста
Область высокого контраста
ЦВЕТ:
Вместе с объемом и контрастом идет цвет. Чтобы использовать цвет композиционно, нужно обладать определенными навыками, потому что для этого требуются знания в области теории самого цвета, а это может быть как статья, так и урок в этой статье. Даже идеальный рисунок с идеальной структурой объема может быть испорчен плохим подбором цветов. Некоторые цвета привлекают намного больше внимания, чем остальные, и в зависимости от того, где вы располагаете эти цвета, они могут очень сильно повлиять на фокусную точку на вашем рисунке.
Эти цвета очень интересным образом сплетаются друг с другом. Голубой цвет отходит на второй план, тогда как красный выдвигается на первый план. Когда вы смотрите на этот пример, красная полоска кажется ближе к вам, чем голубой фон. Это делает красный цветом, которым вы должны наделить тот объект, к которому хотите привлечь внимание.
Внимание зрителя может также быть привлечено посредством помещения цвета в композицию, которая не существует нигде. Если вы представите себе рисунок из таких желтых тонов, а затем некий объект в таком насыщенном цвете фуксии, будьте уверены, ваш взгляд будет прикован к этому объекту. Эта техника отлично будет работать с комплементарными (дополнительными) цветами по отношению к остальным цветам рисунка.
БАЛАНС:
Баланс значит распределение. Это может быть что угодно: от распределения тонов объема до цветов, или до объектов по всей сцене. Баланс может быть симметричным и асимметричным. Например, если левая часть вашего рисунка полна всевозможных деталей, можно сбалансировать его, сделав правую часть более простой. Вы могли бы сделать стороны вашей картины очень светлыми, а в центре нарисовать что-то темное. Можно было бы нарисовать большой объект низкого контраста, и еще объект меньшего размера и большей контрастности на расстоянии, чтобы подчеркнуть его не меньшую значимость по сравнению с большим объектом. Такой ход мыслей сбалансирует ваш рисунок.
В данном примере детали и яркость с правой стороны изображения сбалансированы относительной пустотой левой стороны и выбором темных красок. Такой баланс приковывает ваше внимание к взаимодействию между героями на рисунке, и ничто вокруг не отвлекает вас от фокусного центра рисунка. Если бы левая половина рисунка была бы такой же детализированной, как и правая, правая половина рисунка потеряла бы свою важность. Смотря на данный пример, спросите себя, как использовался цвет с целью привлечения еще большего внимания? Что скажете по поводу контраста? Как он здесь используется?
РИТМ, ПОВТОРЕНИЕ, И ПЛОТНОСТЬ:
Иногда на рисунке один элемент может повторяться несколько раз, чтобы разбить пространство композиции и направить взгляд зрителя по наиболее интересной траектории. Ритм вашего рисунка относится к тому, как быстро ваш взгляд двигается по сцене. Если в вашей сцене есть рассеянные области с отсутствием деталей, ваш взгляд пройдет по ним, даже не остановившись. Это может быть и специальным эффектом. И наоборот, можно расположить объекты более плотно на траектории, по которой следует взгляд зрителя, и тогда его взгляд будет останавливаться на этих объектах, чтобы подробнее их изучить, прежде чем пойти дальше. Посмотрите, как это работает:
Проведите взглядом по этой линии. Он прошелся быстро, правда? На линии между двумя точками нет никаких препятствий, поэтому взгляд просто проскакивает к другой стороне без остановки.
Проведите взглядом по этой линии. Вы все еще не сбавили скорость, не так ли? Не смотря на то, что на линии присутствуют дополнительные точки, разрезающие путь вашего взгляда, вы проходите по ним абсолютно незаметно, потому что все они одинаково удалены друг от друга. Это, тем не менее, может быть полезным специальным эффектом.
Теперь проведите взглядом по этой линии. Вы задержались на скоплении точек, правда? Ваш взгляд расценил их как достаточно визуально организованными для того, чтобы задержаться и рассмотреть их положение поподробнее. Группировка деталей, как здесь, может помочь задержать взгляд зрителя.
Проведите взглядом по этой линии. Могу поспорить, что вы задержались хоть на секунду на том большом пятне на конце линии! А потом взгляд снова вернулся к нему, так? Эта большая точка является как бы точкой фокуса, не так ли?
Интересно как работает ваш мозг, да?
МАСШТАБ:
Масштаб может очень сильно изменить ощущения от рисунка. Масштаб, конечно же, означает изменение размера объектов, либо физически, либо визуально, с целью показать отношение размеров одной детали по отношению к другой. Физический масштаб меняется, ссылаясь на создание чего-то в реальном размере. Представьте Годзиллу, разрушающего Токио, или человека, стоящего в центре огромного леса. Годзилла по сравнению со зданиями просто огромен, он физически огромный. В лесу деревья возвышаются над человеком. На рисунке, вы захотели бы показать, насколько высоко они возвышаются. Оптический масштаб меняется, ссылаясь на положение камеры, показывая отношение масштаба между двумя объектами.
Посмотрите на рисунок ниже, автором которого является Уиллиам Гиббонс (William Gibbons) (devID: ashwara).
В этом примере у нас создается ощущение, что существо, держащее девочку в своей руке, просто неизмеримо велико. Во-первых, у нас такое ощущение создается из-за масштабного соотношения девочки и его руки. Во-вторых, ощущение его большого размера усиливается положением камеры. Она расположена позади девочки и смотрит вверх, тем самым приближая девочку к композиционно интересной части тела этого существа (его голове). У нас остается ощущение того, что за пределами картинки прячется еще большая его часть, которую мы не видим.
Представьте эту сцену под другим углом, например, более отдаленный вид со стороны, или сверху вниз. Эти альтернативные углы перспективы могут смотреться выигрышно, но они, скорее всего, не будут такими же захватывающими и динамичными, как этот.
Нужно думать об углах расположения камеры, как об инструменте, рассказывающем историю. Если бы персонаж стоял напротив огромного существа, и персонаж нам уже знаком, угол камеры должен располагаться позади этого персонажа, открывая вид на существо. Если расположить камеру со стороны существа, при этом смотря сверху вниз, то восприятие картины может измениться, и может показаться, что главным героем является это существо, а не персонаж.
На этом примере, который нарисовал я, мы видим динамику большого действия противопоставленного маленькой причине/источнику этого действия.
Маленький человек вызвал большой взрыв. Мы поняли его отношение к взрыву из его телодвижений. Его поза говорит либо о том, что именно он вызвал этот взрыв, либо, что он просто радуется этому взрыву в воде.
Масштаб можно использовать по-разному. Экспериментируйте!
ПОЛОЖЕНИЕ, ИЕРАРХИЯ:
Расположение зависит от отношений. Можно придать большее значение вещам в сцене, основываясь на их положении по отношению к остальному пространству. Например, размещение одного персонажа выше над другим, автоматически наводит на мысль о том, что он сильнее. Плавильное расположение объектов может помочь привлечь правильное внимание. Если у вас есть вертикальный объект, размещенный среди горизонтальных объектов, этот вертикальный объект будет разбивать горизонтальные, и значительно выделяться на их фоне. Самый распространенный пример такого метода, это когда персонаж является единственным объектом, который разбивает линию горизонта. Этот персонаж сразу становится центром внимания. Один из классических американских иллюстраторов - Н.К. Уайет (N.C. Wyeth) - больше других понимал важность расположения объектов на полотне, и может доказать это на хорошем примере:
В этой работе «Еще один шаг» (One More Step) мы видим, что Уайет уделил особое внимание положению двух мужчин в этой сцене.
Обратите внимание, как горизонт делит пространство между ними. Мужчина в черном находится полностью выше горизонта и выглядит так, будто он в более выгодном положении. Мачта, на которой он сидит, разбивает линию горизонта и направляет наш взгляд прямо на него. Сеть из веревок идет от него, и ведут вниз, прямо на мужчину в белом.
Пока мы рассматриваем эти детали, эта картина также приковывает внимание к цвету, контрасту, и балансу. Мужчина в черном имеет большую контрастность, потому что он в черном стоит на фоне яркого неба. Это заставляет обращать взгляд на него. Тем не менее, мужчина в черном сбалансирован мужчиной в белом, на котором повязан красный пояс. Это притягивает наш взгляд вниз на него, и это ощущение противостояния между ними очень ярко выражено.
ПРАВИЛО ОДНОЙ ТРЕТИ:
Правило трети используется, преимущественно, в фотографии. Эта техника выходит за пределы иллюстрации или производства. Эта техника очень быстро может найти самое благоприятное положение для фокусного центра на вашем рисунке. Это очень похоже на примеры построения композиции, о которой мы говорили в Главе 5 в начале этого урока. Правило трети – это готовый шаблон, который нужно всегда держать в голове, когда вы начинаете строить какую-либо композицию.
По правилу одной трети изображение делится на 9 одинаковых квадратов с таким же соотношением сторон, как и у самого изображения. Каждая линия расположена ровно на 1/3 изображения. Это значит, что любое изображение с любым соотношением сторон подчиняется правилу одной трети.
При использовании правила трети, линии деления являются лучшими местами деления пространства, а пересечения этих линий являются идеальным местом для фокусного центра и других важных зон изображения. Почти в любой профессиональной фотографии или иллюстрации, поместив сетку одной трети на изображение, можно практически со 100% уверенностью сказать, что эта сетка отлично совпадет с изображением.
На этой странице из комикса, который я нарисовал, обратите внимание на то, как поделено пространство по правилу одной трети. Персонаж комикса расположен прямо на первой линии, которая является и фокусным центром. Также, можно заметить три основных изменения в сцене в пределах трех вертикальных колонок. Первая колонка содержит в себе темную стену. В средней колонке очень много деталей с высоким контрастом и линиями, которые возвращают взгляд к девушке. В третьей колонке широкое пространство с более низким контрастом, что балансирует и организовывает картинку. То, как гармонично сетка легла на рисунок – не совпадение.
ЦЕНТР ФОКУСА:
Светотень, контраст, цвет, баланс, плотность, масштаб, положение и правило трети. Теперь, когда у вас есть понятие об этих аспектах, вы можете применять их с целью нахождения фокусной точки на вашем изображении. Ваша фокусная точка должна быть самой интересной частью рисунка, и должна быть так организована, чтобы зритель даже не мог не заметить ее.
На этом примере, который я нарисовал, фокусной точкой является красный воздушный шар, хозяин которого переходит через мост. Почему же он является центром фокуса?
Во-первых, перспектива организована таким образом, что все объекты и линии сходятся ПРЯМО на шаре. Шар находится в самой яркой части рисунка. Цвет достаточно привлекает ваше внимание к нему. В конце концов, он попадает на линию правила одной трети.
Спросите себя, как баланс и ритм использованы в этом рисунке с целью привлечения внимания зрителя к определенным объектам?
Можно сделать рисунок с непроизвольными или множественными фокусными точками, или с отсутствием таковой вообще. Все видят вещи по разному, и то, как вы видите картинку, может сработать вам на руку, либо ничем не привлечь внимание другого человека. Самое важное – делать рисунок таким, каким вы хотите его видеть.
6: ПИЩА ДЛЯ РАЗМЫШЛЕНИЙ
СОЗДАЕМ КОМПОЗИЦИЮ ВДУМЧИВО
Когда вы занимаетесь построением композиции для сцены, фона, или еще чего-то, у вас должны быть конкретные причины, почему те или иные вещи являются такими, какими они есть. Иногда она нацелена на то, чтобы внедрить в рисунок сложную запутанную композицию. Она может помочь продвинуть «нормальную» картинку до уровня «мой мозг сейчас взорвется».
Когда у вас есть готовая идея для определенного рисунка, оставьте время для «мозговой атаки». Если вы сразу же начинаете рисовать, это значит, что вы заинтересованы только в скорейшем завершении работы – вместо того, чтобы создавать искусство. Без критических размышлений о том, что должна включать в себя сцена или как она должна быть организована, будут потеряны детали, которые могли бы «создать» рисунок. Правильно подобранные детали могут сделать определенные вещи более правдоподобными.
В следующий раз, когда будете создавать какую-либо сцену, спросите себя, что она собой представляет, какие ощущения должны возникать от нее, и объясните теорию, почему она должна выглядеть так, как будет выглядеть в будущем.
Проведите обзор рисунка ниже, где изображена аллея заднего двора:
ВЕЩИ/ОБЪЕКТЫ [ЧТО]
Мне пришлось задуматься о то, какие вещи могут присутствовать в данной сцене. Поэтому я собрал несколько ключевых слов, которые должны быть упомянуты.
Человек
Трубы
Трубопровод
Грязь
Кондиционеры
Решетки
Вентиляторы
Стены
Электропроводка/Провода
Ворота системы защиты
Безоконные двери
Запасные выходы
Растения
Мусор
Велосипед
Знаки
ОЩУЩЕНИЕ/ЭМОЦИЯ [КАК]
Далее я должен был продумать то, какие ощущения должен был бы вызывать рисунок. Это помогло бы определиться с освещением и светотеневой структурой.
Одиночество/Отдаленность
Теплота
Сырость/Влага
Ощущение безопасности
Неряшливость
Дневное время/Яркий солнечный свет
Небольшой достаток
Простота
Узкое пространство
Некая доля оптимизма
ТЕОРИЯ [ПОЧЕМУ]
Теперь можно подумать и о композиционной теории, и о том, почему каждый аспект должен играть свою роль:
Линейная перспектива (в одну точку): Этот рисунок смотрелся бы лучше всего с одной точкой схода, ведущей взгляд вниз по аллее к центру фокуса.
Ритм и Плотность: На рисунке должно быть много деталей и объектов, уложенных в одну кучу или аккуратными слоями. Это может помочь придать рисунку ощущение неряшливости и уютного недорогого жилья.
Цвет: Высококонтрастные цвета могут сыграть решающую роль в рисунке, чтобы поддержать оптимистическое чувство.
Светотень и Контраст: Высокий контраст мог бы использоваться с целью получения реалистичного солнечного света, пробивающегося в аллею, в противовес интенсивным теням. Яркий контраст от солнечного света может придать сцене ощущение безопасности даже в этих темных закоулках. Темные тени в областях, которые должны были бы быть светлее, можно воспринять как нечто грязное, запущенное, мрачное.
Фокус: Перспектива сцены была бы поставлена таким образом, чтобы линии в сцене показывали на девушку, стоящую на аллее. Девушка стояла бы в тени с яркой стеной за спиной, что выделяло бы ее на фоне высокого контраста и цвета. Все это делает ее центром фокуса.
Баланс: Стены аллеи плотно прилегали бы друг к другу, и имели бы очень много мелких деталей. И, тем не менее, они бы контрастировали по освещенности и тональности цвета. [Зеленый и желтый против сиреневого и голубого]
Если вы составите подобный план, ваш конечный рисунок будет намного сильнее. Чем больше вы думаете о создании рисунка таким путем, тем меньше вам придется делать это, т.к. мозг ваш будет вырабатывать все больше и больше идей по существу. Композиция – это то, что можно построить на чистой интуиции. Композиция – это то, что нужно постоянно практиковать, точно также как и другие аспекты искусства. Чем больше вы это делаете, тем лучше вы становитесь в этой области.
КАСАТЕЛЬНЫЕ – НЕ ВАШИ ДРУЗЬЯ:
Когда-нибудь ранее слышали о касательных линиях в искусстве?
Касательная образуется, когда один объект находится достаточно близко к другому таким образом, что их линии сходятся или касаются определенным способом. Касательные могут создать ощущение, что отдельные объекты являются одним целым. Касательные могут полностью разрушить ощущение глубины и объема в сцене. Они могут привлечь совершенно ненужное внимание к себе.
Видите эти ужасные касательные, которые я нарисовал на этом примере?
Две стороны этих блоков соприкасаются, создавая ощущение, что они находятся на одном и том же уровне. Не смотря на то, что блок слева значительно ниже и расположен чуть дальше, чем блок справа, они смотрятся абсолютно едино. Это недоразумение можно легко избежать, изменив высоту одного из блоков, либо изменив угол камеры, чтобы предотвратить соприкосновения линий непонятным образом.
Вот так, видите?
Слегка изменив правый блок, мы избавились от касательных линий, и отношение размеров и местоположений между этими двумя блоками нормализовалось. Теперь видно, что правый блок выше левого и стоит самостоятельно от него.
Касательные также применимы к близости сторон объектов к краям вашего рисунка. Нужно, чтобы элементы на вашем рисунке были правильно обрамлены.
Плохо! Обратите внимание на то, как углы блоков создают касательные линии со сторонами рисунка! Этого нужно избегать.
Уже лучше. Просто оставив немного пространства вокруг блоков, мы предотвращаем появление касательных линий, и получаем в результате правильно обрамленный рисунок.
Ваша главная защита от касательных – следить за ними и избегать их, когда они появляются, или еще до того, как они появятся.
Помните, что только вы можете предотвратить касательные линии!
ИЗБАВЬТЕСЬ ОТ СВОИХ ЛЮБИМЧИКОВ:
Автором этой фразы является иллюстратор Йаин МакКэйг, «избавьтесь от своих любимчиков».
Вы можете нарисовать что-то, что смотрится очень неплохо. Вам нравится, и вы хотите оставить все как есть. Однако, когда вы отходите от рисунка на несколько шагов назад и смотрите на картину в целом, та самая часть, которая вам так нравилась, уже не смотрится так хорошо, как казалось, по отношению к остальной части рисунка. Что-то не так. Конечно, можно оставить как есть и сказать, что это все, что вы «могли» сделать, а можно стереть эту часть и попробовать еще раз. Если вы искренне хотели сделать лучшее, на что вы способны, вы возьмете ластик и сотрете тот самый участок, не смотря на то, как сильно он вам нравился. Отсюда и фраза «избавьтесь от своих любимчиков». Это ради вашего же блага.
Когда приходит время для создания лучшей из ваших работ, нельзя лениться. Никогда нельзя оставлять то, что портит ваш рисунок, только потому, что вам не хочется это перерисовывать. А если оставите, то так и будете продолжать работать над чем-то бездарным. Однако, если вам действительно не хочется перерисовывать ту часть, которую вы сами знаете, что нужно исправить, есть один выход: просто сотрите ее и уйдите на время. Вернитесь через несколько часов, на завтрашний день, или даже через несколько дней. Когда вы посмотрите на свой рисунок, та область, которая нуждалась в поправках, будет пустой, и вы с новыми силами сядете и сделаете новую попытку все доработать.
В случае, если у вас горят сроки через пару часов, нельзя разрушать свою работу только потому, что вы можете это сделать. Иногда хочется все разрушить, и это нормально, когда это делается осознанно. Но, если вы хотите создать первоклассный конечный рисунок для собственной работы или большого проекта – не спешите. Посоветуйтесь с друзьями. Исправьте то, что нужно исправить, и не упрямничайте только потому, что вам казалось, что все хорошо.
РАССЛОИТЕ СВОИ КОМПОЗИЦИИ:
Обычно на рисунке есть три плана: передний, средний и задний. Не в каждом рисунке может быть передний и задний планы, но у каждого рисунка должен быть какой-то средний план.
В этой сцене, которую я создал, четко видны передний, средний и задний планы.
Средний план должен, по идее, содержать основную площадку вашего рисунка – то, где стоит главный персонаж или объект. Однако, не путайте его со средним планом центра фокуса. Центр фокуса может располагаться где угодно на изображении, но только на среднем плане. На примере выше обратите внимание на очевидность среднего плана благодаря обстановке купе поезда. Все, что находится за пределами этой области, будет считаться задним фоном.
Задний фон, по обыкновению, содержит в себе окружающую обстановку – детали окружения, где находятся ваши объекты. Задний фон обычно придает ощущение глубины. Использование глубины пространства в своей сцене может очень пригодиться для придания сцене динамики. Динамические композиции склонны создавать впечатление, что вещи с заднего плана вот-вот передвинутся на средний или передний план.
Передний план в сцене обычно содержит поддерживающие детали, которые помогают погрузить зрителя в картину. Обычно детали на переднем плане не так важны, как те, которые находятся на среднем плане, но композиция в целом будет смотреться намного выигрышнее, если элементы переднего плана взяты под контроль. Если вы посмотрите на изображение выше, та стойка и барьер, которые расположены ближе к нам с правой стороны, дают нам представление о масштабах интерьера в кабине поезда. Если бы мы убрали передний план…
Это ранняя незавершенная версия предыдущего рисунка, до того, как был удален передний план.
…наше положение в кабине поезда полностью меняется. У нас пропадает ощущение, что мы стоим напротив противоположной стены, и смотрим на девушку, стоящую на выходе. Скорее возникает ощущение того, что мы стоим посреди большой комнаты, нежели в кабине поезда.
Передний план играет еще одну важную роль – в постановке дистанций между вами, зрителе, и действием/объектом сцены. Передний план может расположить перегородки на пути, который вы должны проделать при просмотре рисунка, или даже предоставить для зрителя укрытие, что придало бы рисунку более вуайристическое ощущение. В противном случае, рисунок без этих вещей, или с передним планом с элементами, которые не являются преграждающими, могут придать зрителю ощущение присутствия в плоскости рисунка.
На примере выше видно, что передний план не останавливает нас на входе в сцену. Однако, у нас есть ощущение, будто мы не должны просто так туда входить. Элементы переднего плана создают впечатление закрытого пространства, как будто это чья-то частная собственность. Если бы на переднем плане не было столба, растений, и стены, это пространство смотрелось бы более открытым, общественным, и доступным для нас.
Планы для своей композиции вы выбираете полностью на свое усмотрение. Можно нарисовать экспансивный рисунок с глубоким задним фоном, эпическим средним планом, и передним планом прямо возле камеры. Можно также создать композицию, которая создает ощущение замкнутого помещения, где все сконцентрировано прямо на переднем плане. Все зависит от вашего желания. Просто отнеситесь к этому серьезно – особенно если появляется ощущение типа «чего-то не хватает…»
ГОЛЛАНДСКИЕ/ОСТРЫЕ УГЛЫ:
Голландские углы – это техника, используемая в композиции для создания чувства необычности или «неправильности» сцены. В голландском угле камера находится под наклоном, при этом линия горизонта уже не параллельна нижней части рисунка. Все это создает у зрителя ощущение нестабильности.
Посмотрите на этот футуристический Ломбард, который я нарисовал.
Я использовал здесь голландский угол, чтобы создать ощущение угловатости или некого дискомфорта.
Если бы этот рисунок не был нарисован под голландским углом, вызвал бы он тот же эффект?
Скорее всего, нет.
Тем не менее, голландский угол не всегда нацелен на вызывание непростых ощущений. В зависимости от объекта, наклон композиции может сделать сцену более динамичной и цепляющей взгляд, особенно в сценах с множеством действий и скорости. И все же я советую использовать голландский угол только по необходимости. Этот прием может быстро устареть, если он слишком часто проглядывается в вашей галерее.
7: ВДОХНОВИТЕСЬ
Не можете думать? Сидите перед чистым листом и не знаете с чего начать? Без паники! Существует множество источников, где можно почерпнуть какие-то идеи. Фильмы и комиксы – одни из лучших в этом смысле – особенно анимационные фильмы, потому что в них заметен больший контроль угла наклона камеры и композиции сцены. Обратите внимание на особые детали, особенно на те, которые предлагают раскадровку аниматиков. Если вы находите что-то, что вам понравилось, не нужно бояться использовать это в своей собственной работе.
СМОТРИ И УЧИСЬ
Хотите несколько советов на тему режиссеров и фильмов, которые являются очень композиционно грамотными? Сделайте себе одолжение и пристально изучите некоторые предпочтения друзей и свои личные предпочтения…
- Фильмы Pixar: Фильмы Pixar очень грамотно собраны сцена за сценой. Одно из однозначно сильных фильмов Pixar является фильм «Суперсемейка» (The Incredibles). Персонажи Суперсемейки, хорошо поставленные композиции, отличное использование света и цвета, и фантастическая проницательность директора Брэда Берда (Brad Bird) и аниматоров, работавших над этим фильмом. Также приложенная на DVD прекрасная подборка кадров из фильма. Все это стоит того, чтобы посмотреть этот фильм и увидеть, как все, о чем говорилось в этом уроке, применяется в действии.
- Фильмы Акиры Куросава (Akira Kurosawa): Куросава виртуозно использует контекст, вместо объектов, чтобы рассказать историю. Здесь можно говорить о концепции «лучше меньше, да лучше». То, как персонаж стоит или действует в рамках кадра, рассказывает историю без вовлечения в одну картинку каждого возможного события. Его фильмы могут вдохновить на использование простого языка тела для объяснения событий, вместо того, чтобы создавать брутальный экшн.
- Фильмы Хайао Миязаки (Hayao Miyazaki): Мийазаки очень красиво использует передний, средний и задний планы. Вместо того, чтобы постоянно показывать персонажа целиком, очень часто они перекрываются объектами на переднем и среднем планах, помогая, тем самым, поместить персонажа в обстановку, сделать его частью этой обстановки.
- Фильмы Уэса Андерсона (Wes Anderson): У Уэсв Андерсонв какой-то волшебный подход к фильмам. Он очень аккуратно использует соотношение цветов и размером разных персонажей и объектов в пределах нескольких кадров. Уэс Андерсон любит использовать плоские композиции, когда большая часть сцены сведена к среднему плану. В его фильмах красный цвет практически всегда применяется к тем объектам, которые он хочет больше всего выделить.
ФОТОГРАФИЯ
Это то, что я бы посоветовал большинству художников попробовать. Фотография – очень хороший способ научиться создавать красивые композиции, особенно если попытаться сфотографировать что-то движущееся. Чтобы получить хорошие снимки, нужно совместить быструю реакцию мозга, время и рефлексы, и хорошее видение. Чем лучше вы будете в фотографии, тем больше это будет проявляться в ваших художественных работах. Если вы более открыто будете думать о том, чтобы разглядеть и сфотографировать интересную или абстрактную композицию в реальной жизни, вы параллельно начнете думать о том, как еще больше улучшить ваши нарисованные композиции. Это также может помочь создать большой архив фото-образцов, которые можно будет использовать в дальнейшем в своих рисунках. Беспроигрышный вариант!
Прочтите, и вы задумаетесь о том, каким бы методом вы воспользовались для своей следующей работы.
5: ОСНОВЫ КОМПОЗИЦИИ
Теперь, когда вы уже знаете о линейной, угловой и трехточечной перспективе, пришло время научиться использовать эти знания с максимальной эффективностью. Какой толк от знаний перспективы, если вы знаете, что именно делает рисунок особенным?
Знание композиции является важнейшим навыком, которым должен овладеть любой иллюстратор.
ПЕРВЫМ ДЕЛОМ
Любая композиция начинается с одной вещи: кадра. Невозможно создать композицию, не зная заранее размер, высоту и ширину вашего рисунка. В анимации и кино используются заранее заданные параметры для композиций, известные как Соотношение Сторон (Aspect Ratios). Ниже представлены некоторые из основных соотношений сторон, которые используются на сегодняшний день:
Нажмите на картинку, чтобы посмотреть изображение в полном размере и 100% качестве.
Соотношение сторон это не заранее установленные размеры пикселей. Это лишь метод поддержания определенного уровня стандартизации в кадрировании. Распространенный сегодня формат 16:9 это 1920х1080 пикселей для телевизора с высокой разрешающей способностью. Если вы решили создать рисунок в формате 16:9, это вовсе не значит, что вы должны использовать это разрешение изображения. Все, что вам нужно сделать, это воспроизвести соотношение 16:9. Таким образом, вы сможете нарисовать рисунок, который будет, скажем, 7200х4050 пикселей. Несмотря на то, что размер намного больше, это все же формат 16:9.
Использование стандартных соотношений сторон вовсе не требуется, если вы создаете иллюстрацию для печати или работы, а не для телевидения или фильма. Тем не менее, их надо знать и они могут стать очень хорошей опорой в начале вашего пути.
Далее в Части 2 данного урока я буду использовать для своих примеров формат 3:2.
ПОИСК НАИЛУЧШЕГО КАДРА
Вернемся к главе 1 Части 1, помните три примера, которые я нарисовал для иллюстрации линии горизонта на разных уровнях в пределах кадра рисунка? Это композиция.
Мы можем найти и сравнить различные возможные композиции для сцены, просто используя линии. В отличие от Главы 1, эти линии не будут представлять собой линию горизонта. Вместо этого, они будут показывать возможные композиционные элементы в сцене. Такие элементы, как центр фокуса и вовлеченные в кадр объекты. Давайте посмотрим на некоторые примеры различных композиционных возможностей:
Обратите внимание на эти три примера, взятые из Главы 1. Если бы линия горизонта была областью самой важной детали и находилась бы в фокусе, то первая и третья композиции были бы более выигрышными, чем вторая, благодаря своей асимметрии. Композиция на второй картинке поделила плоскость рисунка ровно пополам. Верхняя часть равна нижней, и такая композиция уже не так интересна.
Теперь посмотрите на эти три примера. Две вертикальные линии в первом примере делят рисунок на три абсолютно равных прямоугольника. Если бы вам нужно было сделать рисунок с такой композицией, у вас получилось бы что-то очень слабенькое. Сравните первую и вторую композиции. Мы уже становимся ближе к тому, чтобы создать нечто интересное, сдвинув обе линии ближе друг к другу, чтобы сузить прямоугольник посередине. Теперь появилась область в композиции, которая выбивается из общей картинки, и могла бы стать отличным центром фокуса. Такая композиция отлично подошла бы для картинки с заданной симметрией. Однако, для чего-то более динамичного, приглядитесь к третьей композиции. Отодвинув линии в бок, мы меняем картинку, чтобы все три прямоугольника стали разного размера. Тонкий прямоугольник в центре привлекает ваше внимание, тогда как большой квадрат смотрится так, будто он мог бы содержать в себе что-то, что поддерживало бы средний прямоугольник или обрамляло его для баланса. Например, два прямоугольника слева могли бы быть полны деталей для нашего центра фокуса, а большой квадрат справа мог бы содержать что-то просторное и менее значимое для контраста.
Композиция хороша тогда, когда она заставляет двигаться взгляд по рисунку. Когда вы создаете композицию, в которой все пространственные деления равны между собой, центра фокуса не будет, и рисунок не будет ничем привлекать внимание. Если вы посмотрите на пример выше справа, все стороны в нем одинаковы. В нем нет никакой динамики, которая бы могла заинтересовать зрителя. На примере справа присутствуют элементы, которые двигаются по полотну и ваш взгляд концентрируется на том месте, где большинство линий пересекается. Эта область в вашей композиции будет центром фокуса, центр наивысшего интереса.
Выше представлены примеры эскизов композиций в стиле ретро. Мне нравится придавать своим эскизам глубину, поэтому я рисую несколько линий, скрывающихся за другими, или линии, которые прерываются или меняют свое направление при столкновении с другой линией. На первом рисунке я использую большие темные пространства, которыми окружаю детализированный центр, где сидит человек. На втором рисунке я использую серию вертикальных и горизонтальных линий, чтобы привлечь внимание к тем зонам, где больше деталей. Я также использовал однотонно залитые участки цвета, чтобы придать некоторую глубину или весомость. На третьем рисунке я использую эскиз больше как основу для нахождения правильной перспективы сцены и для того, чтобы посмотреть, где лучше всего расположить центр фокуса.
Ниже представлено еще несколько примеров композиции с использование только вертикальных, горизонтальных и диагональных линий.
ТЕОРИИ КОМПОЗИЦИОННОГО ПРОЕКТИРОВАНИЯ
Теории композиционного проектирования это идеи постановки и технических подходов к вашему рисунку. Это те вещи, к которым нужно относиться критично. Эти теории могут помочь создать основу, которая поможет вам получить в итоге очень сильный красивый рисунок.
Всегда учитывайте следующие вещи:
СВЕТОТЕНЬ:
Светотень – это тональная структура к вашему рисунку. Можно представить светотень, как светлое и темное объекта, а не его цветов. На рисунке, содержащем полный масштаб светотени, присутствуют тона, начиная с белого и заканчивая черным. Светотень является одним из самых сильных элементов, способных направлять взгляд зрителя к определенным объектам на вашем рисунке, в зависимости от того, как вы распределяете свет и тени.
КОНТРАСТ:
Тогда как светотень относится к определенному тону или диапазону тонов, контраст – это то, как эти тона используются. Контраст – это прямое отношение одного тона к другому. Области с высоким контрастом отличаются большой разницей в тонах, начиная от яркого заканчивая темным, с минимальными переходами. Области с меньшим контрастом имеют меньше изменений в объеме от тона к тону. Ночная сцена без какого-либо освещения – низко контрастная картина, потому что все выполнено в черном цвете, с легким переходом к более яркому цвету.
Контраст очень сильно привлекает внимание. Взгляд всегда тянется к высокой контрастности. Обычно области с наибольшим контрастом должны составлять в себе наиболее интересную сцену, тогда как области с низким контрастом должны быть менее значимыми.
Низкий контраст
Высокий контраст
Область низкого контраста
Область высокого контраста
ЦВЕТ:
Вместе с объемом и контрастом идет цвет. Чтобы использовать цвет композиционно, нужно обладать определенными навыками, потому что для этого требуются знания в области теории самого цвета, а это может быть как статья, так и урок в этой статье. Даже идеальный рисунок с идеальной структурой объема может быть испорчен плохим подбором цветов. Некоторые цвета привлекают намного больше внимания, чем остальные, и в зависимости от того, где вы располагаете эти цвета, они могут очень сильно повлиять на фокусную точку на вашем рисунке.
Эти цвета очень интересным образом сплетаются друг с другом. Голубой цвет отходит на второй план, тогда как красный выдвигается на первый план. Когда вы смотрите на этот пример, красная полоска кажется ближе к вам, чем голубой фон. Это делает красный цветом, которым вы должны наделить тот объект, к которому хотите привлечь внимание.
Внимание зрителя может также быть привлечено посредством помещения цвета в композицию, которая не существует нигде. Если вы представите себе рисунок из таких желтых тонов, а затем некий объект в таком насыщенном цвете фуксии, будьте уверены, ваш взгляд будет прикован к этому объекту. Эта техника отлично будет работать с комплементарными (дополнительными) цветами по отношению к остальным цветам рисунка.
БАЛАНС:
Баланс значит распределение. Это может быть что угодно: от распределения тонов объема до цветов, или до объектов по всей сцене. Баланс может быть симметричным и асимметричным. Например, если левая часть вашего рисунка полна всевозможных деталей, можно сбалансировать его, сделав правую часть более простой. Вы могли бы сделать стороны вашей картины очень светлыми, а в центре нарисовать что-то темное. Можно было бы нарисовать большой объект низкого контраста, и еще объект меньшего размера и большей контрастности на расстоянии, чтобы подчеркнуть его не меньшую значимость по сравнению с большим объектом. Такой ход мыслей сбалансирует ваш рисунок.
В данном примере детали и яркость с правой стороны изображения сбалансированы относительной пустотой левой стороны и выбором темных красок. Такой баланс приковывает ваше внимание к взаимодействию между героями на рисунке, и ничто вокруг не отвлекает вас от фокусного центра рисунка. Если бы левая половина рисунка была бы такой же детализированной, как и правая, правая половина рисунка потеряла бы свою важность. Смотря на данный пример, спросите себя, как использовался цвет с целью привлечения еще большего внимания? Что скажете по поводу контраста? Как он здесь используется?
РИТМ, ПОВТОРЕНИЕ, И ПЛОТНОСТЬ:
Иногда на рисунке один элемент может повторяться несколько раз, чтобы разбить пространство композиции и направить взгляд зрителя по наиболее интересной траектории. Ритм вашего рисунка относится к тому, как быстро ваш взгляд двигается по сцене. Если в вашей сцене есть рассеянные области с отсутствием деталей, ваш взгляд пройдет по ним, даже не остановившись. Это может быть и специальным эффектом. И наоборот, можно расположить объекты более плотно на траектории, по которой следует взгляд зрителя, и тогда его взгляд будет останавливаться на этих объектах, чтобы подробнее их изучить, прежде чем пойти дальше. Посмотрите, как это работает:
Проведите взглядом по этой линии. Он прошелся быстро, правда? На линии между двумя точками нет никаких препятствий, поэтому взгляд просто проскакивает к другой стороне без остановки.
Проведите взглядом по этой линии. Вы все еще не сбавили скорость, не так ли? Не смотря на то, что на линии присутствуют дополнительные точки, разрезающие путь вашего взгляда, вы проходите по ним абсолютно незаметно, потому что все они одинаково удалены друг от друга. Это, тем не менее, может быть полезным специальным эффектом.
Теперь проведите взглядом по этой линии. Вы задержались на скоплении точек, правда? Ваш взгляд расценил их как достаточно визуально организованными для того, чтобы задержаться и рассмотреть их положение поподробнее. Группировка деталей, как здесь, может помочь задержать взгляд зрителя.
Проведите взглядом по этой линии. Могу поспорить, что вы задержались хоть на секунду на том большом пятне на конце линии! А потом взгляд снова вернулся к нему, так? Эта большая точка является как бы точкой фокуса, не так ли?
Интересно как работает ваш мозг, да?
МАСШТАБ:
Масштаб может очень сильно изменить ощущения от рисунка. Масштаб, конечно же, означает изменение размера объектов, либо физически, либо визуально, с целью показать отношение размеров одной детали по отношению к другой. Физический масштаб меняется, ссылаясь на создание чего-то в реальном размере. Представьте Годзиллу, разрушающего Токио, или человека, стоящего в центре огромного леса. Годзилла по сравнению со зданиями просто огромен, он физически огромный. В лесу деревья возвышаются над человеком. На рисунке, вы захотели бы показать, насколько высоко они возвышаются. Оптический масштаб меняется, ссылаясь на положение камеры, показывая отношение масштаба между двумя объектами.
Посмотрите на рисунок ниже, автором которого является Уиллиам Гиббонс (William Gibbons) (devID: ashwara).
В этом примере у нас создается ощущение, что существо, держащее девочку в своей руке, просто неизмеримо велико. Во-первых, у нас такое ощущение создается из-за масштабного соотношения девочки и его руки. Во-вторых, ощущение его большого размера усиливается положением камеры. Она расположена позади девочки и смотрит вверх, тем самым приближая девочку к композиционно интересной части тела этого существа (его голове). У нас остается ощущение того, что за пределами картинки прячется еще большая его часть, которую мы не видим.
Представьте эту сцену под другим углом, например, более отдаленный вид со стороны, или сверху вниз. Эти альтернативные углы перспективы могут смотреться выигрышно, но они, скорее всего, не будут такими же захватывающими и динамичными, как этот.
Нужно думать об углах расположения камеры, как об инструменте, рассказывающем историю. Если бы персонаж стоял напротив огромного существа, и персонаж нам уже знаком, угол камеры должен располагаться позади этого персонажа, открывая вид на существо. Если расположить камеру со стороны существа, при этом смотря сверху вниз, то восприятие картины может измениться, и может показаться, что главным героем является это существо, а не персонаж.
На этом примере, который нарисовал я, мы видим динамику большого действия противопоставленного маленькой причине/источнику этого действия.
Маленький человек вызвал большой взрыв. Мы поняли его отношение к взрыву из его телодвижений. Его поза говорит либо о том, что именно он вызвал этот взрыв, либо, что он просто радуется этому взрыву в воде.
Масштаб можно использовать по-разному. Экспериментируйте!
ПОЛОЖЕНИЕ, ИЕРАРХИЯ:
Расположение зависит от отношений. Можно придать большее значение вещам в сцене, основываясь на их положении по отношению к остальному пространству. Например, размещение одного персонажа выше над другим, автоматически наводит на мысль о том, что он сильнее. Плавильное расположение объектов может помочь привлечь правильное внимание. Если у вас есть вертикальный объект, размещенный среди горизонтальных объектов, этот вертикальный объект будет разбивать горизонтальные, и значительно выделяться на их фоне. Самый распространенный пример такого метода, это когда персонаж является единственным объектом, который разбивает линию горизонта. Этот персонаж сразу становится центром внимания. Один из классических американских иллюстраторов - Н.К. Уайет (N.C. Wyeth) - больше других понимал важность расположения объектов на полотне, и может доказать это на хорошем примере:
В этой работе «Еще один шаг» (One More Step) мы видим, что Уайет уделил особое внимание положению двух мужчин в этой сцене.
Обратите внимание, как горизонт делит пространство между ними. Мужчина в черном находится полностью выше горизонта и выглядит так, будто он в более выгодном положении. Мачта, на которой он сидит, разбивает линию горизонта и направляет наш взгляд прямо на него. Сеть из веревок идет от него, и ведут вниз, прямо на мужчину в белом.
Пока мы рассматриваем эти детали, эта картина также приковывает внимание к цвету, контрасту, и балансу. Мужчина в черном имеет большую контрастность, потому что он в черном стоит на фоне яркого неба. Это заставляет обращать взгляд на него. Тем не менее, мужчина в черном сбалансирован мужчиной в белом, на котором повязан красный пояс. Это притягивает наш взгляд вниз на него, и это ощущение противостояния между ними очень ярко выражено.
ПРАВИЛО ОДНОЙ ТРЕТИ:
Правило трети используется, преимущественно, в фотографии. Эта техника выходит за пределы иллюстрации или производства. Эта техника очень быстро может найти самое благоприятное положение для фокусного центра на вашем рисунке. Это очень похоже на примеры построения композиции, о которой мы говорили в Главе 5 в начале этого урока. Правило трети – это готовый шаблон, который нужно всегда держать в голове, когда вы начинаете строить какую-либо композицию.
По правилу одной трети изображение делится на 9 одинаковых квадратов с таким же соотношением сторон, как и у самого изображения. Каждая линия расположена ровно на 1/3 изображения. Это значит, что любое изображение с любым соотношением сторон подчиняется правилу одной трети.
При использовании правила трети, линии деления являются лучшими местами деления пространства, а пересечения этих линий являются идеальным местом для фокусного центра и других важных зон изображения. Почти в любой профессиональной фотографии или иллюстрации, поместив сетку одной трети на изображение, можно практически со 100% уверенностью сказать, что эта сетка отлично совпадет с изображением.
На этой странице из комикса, который я нарисовал, обратите внимание на то, как поделено пространство по правилу одной трети. Персонаж комикса расположен прямо на первой линии, которая является и фокусным центром. Также, можно заметить три основных изменения в сцене в пределах трех вертикальных колонок. Первая колонка содержит в себе темную стену. В средней колонке очень много деталей с высоким контрастом и линиями, которые возвращают взгляд к девушке. В третьей колонке широкое пространство с более низким контрастом, что балансирует и организовывает картинку. То, как гармонично сетка легла на рисунок – не совпадение.
ЦЕНТР ФОКУСА:
Светотень, контраст, цвет, баланс, плотность, масштаб, положение и правило трети. Теперь, когда у вас есть понятие об этих аспектах, вы можете применять их с целью нахождения фокусной точки на вашем изображении. Ваша фокусная точка должна быть самой интересной частью рисунка, и должна быть так организована, чтобы зритель даже не мог не заметить ее.
На этом примере, который я нарисовал, фокусной точкой является красный воздушный шар, хозяин которого переходит через мост. Почему же он является центром фокуса?
Во-первых, перспектива организована таким образом, что все объекты и линии сходятся ПРЯМО на шаре. Шар находится в самой яркой части рисунка. Цвет достаточно привлекает ваше внимание к нему. В конце концов, он попадает на линию правила одной трети.
Спросите себя, как баланс и ритм использованы в этом рисунке с целью привлечения внимания зрителя к определенным объектам?
Можно сделать рисунок с непроизвольными или множественными фокусными точками, или с отсутствием таковой вообще. Все видят вещи по разному, и то, как вы видите картинку, может сработать вам на руку, либо ничем не привлечь внимание другого человека. Самое важное – делать рисунок таким, каким вы хотите его видеть.
6: ПИЩА ДЛЯ РАЗМЫШЛЕНИЙ
СОЗДАЕМ КОМПОЗИЦИЮ ВДУМЧИВО
Когда вы занимаетесь построением композиции для сцены, фона, или еще чего-то, у вас должны быть конкретные причины, почему те или иные вещи являются такими, какими они есть. Иногда она нацелена на то, чтобы внедрить в рисунок сложную запутанную композицию. Она может помочь продвинуть «нормальную» картинку до уровня «мой мозг сейчас взорвется».
Когда у вас есть готовая идея для определенного рисунка, оставьте время для «мозговой атаки». Если вы сразу же начинаете рисовать, это значит, что вы заинтересованы только в скорейшем завершении работы – вместо того, чтобы создавать искусство. Без критических размышлений о том, что должна включать в себя сцена или как она должна быть организована, будут потеряны детали, которые могли бы «создать» рисунок. Правильно подобранные детали могут сделать определенные вещи более правдоподобными.
В следующий раз, когда будете создавать какую-либо сцену, спросите себя, что она собой представляет, какие ощущения должны возникать от нее, и объясните теорию, почему она должна выглядеть так, как будет выглядеть в будущем.
Проведите обзор рисунка ниже, где изображена аллея заднего двора:
Нажмите на картинку, чтобы посмотреть изображение в полном размере и 100% качестве.
ВЕЩИ/ОБЪЕКТЫ [ЧТО]
Мне пришлось задуматься о то, какие вещи могут присутствовать в данной сцене. Поэтому я собрал несколько ключевых слов, которые должны быть упомянуты.
Человек
Трубы
Трубопровод
Грязь
Кондиционеры
Решетки
Вентиляторы
Стены
Электропроводка/Провода
Ворота системы защиты
Безоконные двери
Запасные выходы
Растения
Мусор
Велосипед
Знаки
ОЩУЩЕНИЕ/ЭМОЦИЯ [КАК]
Далее я должен был продумать то, какие ощущения должен был бы вызывать рисунок. Это помогло бы определиться с освещением и светотеневой структурой.
Одиночество/Отдаленность
Теплота
Сырость/Влага
Ощущение безопасности
Неряшливость
Дневное время/Яркий солнечный свет
Небольшой достаток
Простота
Узкое пространство
Некая доля оптимизма
ТЕОРИЯ [ПОЧЕМУ]
Теперь можно подумать и о композиционной теории, и о том, почему каждый аспект должен играть свою роль:
Линейная перспектива (в одну точку): Этот рисунок смотрелся бы лучше всего с одной точкой схода, ведущей взгляд вниз по аллее к центру фокуса.
Ритм и Плотность: На рисунке должно быть много деталей и объектов, уложенных в одну кучу или аккуратными слоями. Это может помочь придать рисунку ощущение неряшливости и уютного недорогого жилья.
Цвет: Высококонтрастные цвета могут сыграть решающую роль в рисунке, чтобы поддержать оптимистическое чувство.
Светотень и Контраст: Высокий контраст мог бы использоваться с целью получения реалистичного солнечного света, пробивающегося в аллею, в противовес интенсивным теням. Яркий контраст от солнечного света может придать сцене ощущение безопасности даже в этих темных закоулках. Темные тени в областях, которые должны были бы быть светлее, можно воспринять как нечто грязное, запущенное, мрачное.
Фокус: Перспектива сцены была бы поставлена таким образом, чтобы линии в сцене показывали на девушку, стоящую на аллее. Девушка стояла бы в тени с яркой стеной за спиной, что выделяло бы ее на фоне высокого контраста и цвета. Все это делает ее центром фокуса.
Баланс: Стены аллеи плотно прилегали бы друг к другу, и имели бы очень много мелких деталей. И, тем не менее, они бы контрастировали по освещенности и тональности цвета. [Зеленый и желтый против сиреневого и голубого]
Если вы составите подобный план, ваш конечный рисунок будет намного сильнее. Чем больше вы думаете о создании рисунка таким путем, тем меньше вам придется делать это, т.к. мозг ваш будет вырабатывать все больше и больше идей по существу. Композиция – это то, что можно построить на чистой интуиции. Композиция – это то, что нужно постоянно практиковать, точно также как и другие аспекты искусства. Чем больше вы это делаете, тем лучше вы становитесь в этой области.
КАСАТЕЛЬНЫЕ – НЕ ВАШИ ДРУЗЬЯ:
Когда-нибудь ранее слышали о касательных линиях в искусстве?
Касательная образуется, когда один объект находится достаточно близко к другому таким образом, что их линии сходятся или касаются определенным способом. Касательные могут создать ощущение, что отдельные объекты являются одним целым. Касательные могут полностью разрушить ощущение глубины и объема в сцене. Они могут привлечь совершенно ненужное внимание к себе.
Видите эти ужасные касательные, которые я нарисовал на этом примере?
Две стороны этих блоков соприкасаются, создавая ощущение, что они находятся на одном и том же уровне. Не смотря на то, что блок слева значительно ниже и расположен чуть дальше, чем блок справа, они смотрятся абсолютно едино. Это недоразумение можно легко избежать, изменив высоту одного из блоков, либо изменив угол камеры, чтобы предотвратить соприкосновения линий непонятным образом.
Вот так, видите?
Слегка изменив правый блок, мы избавились от касательных линий, и отношение размеров и местоположений между этими двумя блоками нормализовалось. Теперь видно, что правый блок выше левого и стоит самостоятельно от него.
Касательные также применимы к близости сторон объектов к краям вашего рисунка. Нужно, чтобы элементы на вашем рисунке были правильно обрамлены.
Плохо! Обратите внимание на то, как углы блоков создают касательные линии со сторонами рисунка! Этого нужно избегать.
Уже лучше. Просто оставив немного пространства вокруг блоков, мы предотвращаем появление касательных линий, и получаем в результате правильно обрамленный рисунок.
Ваша главная защита от касательных – следить за ними и избегать их, когда они появляются, или еще до того, как они появятся.
Помните, что только вы можете предотвратить касательные линии!
ИЗБАВЬТЕСЬ ОТ СВОИХ ЛЮБИМЧИКОВ:
Автором этой фразы является иллюстратор Йаин МакКэйг, «избавьтесь от своих любимчиков».
Вы можете нарисовать что-то, что смотрится очень неплохо. Вам нравится, и вы хотите оставить все как есть. Однако, когда вы отходите от рисунка на несколько шагов назад и смотрите на картину в целом, та самая часть, которая вам так нравилась, уже не смотрится так хорошо, как казалось, по отношению к остальной части рисунка. Что-то не так. Конечно, можно оставить как есть и сказать, что это все, что вы «могли» сделать, а можно стереть эту часть и попробовать еще раз. Если вы искренне хотели сделать лучшее, на что вы способны, вы возьмете ластик и сотрете тот самый участок, не смотря на то, как сильно он вам нравился. Отсюда и фраза «избавьтесь от своих любимчиков». Это ради вашего же блага.
Когда приходит время для создания лучшей из ваших работ, нельзя лениться. Никогда нельзя оставлять то, что портит ваш рисунок, только потому, что вам не хочется это перерисовывать. А если оставите, то так и будете продолжать работать над чем-то бездарным. Однако, если вам действительно не хочется перерисовывать ту часть, которую вы сами знаете, что нужно исправить, есть один выход: просто сотрите ее и уйдите на время. Вернитесь через несколько часов, на завтрашний день, или даже через несколько дней. Когда вы посмотрите на свой рисунок, та область, которая нуждалась в поправках, будет пустой, и вы с новыми силами сядете и сделаете новую попытку все доработать.
В случае, если у вас горят сроки через пару часов, нельзя разрушать свою работу только потому, что вы можете это сделать. Иногда хочется все разрушить, и это нормально, когда это делается осознанно. Но, если вы хотите создать первоклассный конечный рисунок для собственной работы или большого проекта – не спешите. Посоветуйтесь с друзьями. Исправьте то, что нужно исправить, и не упрямничайте только потому, что вам казалось, что все хорошо.
РАССЛОИТЕ СВОИ КОМПОЗИЦИИ:
Обычно на рисунке есть три плана: передний, средний и задний. Не в каждом рисунке может быть передний и задний планы, но у каждого рисунка должен быть какой-то средний план.
В этой сцене, которую я создал, четко видны передний, средний и задний планы.
Средний план должен, по идее, содержать основную площадку вашего рисунка – то, где стоит главный персонаж или объект. Однако, не путайте его со средним планом центра фокуса. Центр фокуса может располагаться где угодно на изображении, но только на среднем плане. На примере выше обратите внимание на очевидность среднего плана благодаря обстановке купе поезда. Все, что находится за пределами этой области, будет считаться задним фоном.
Задний фон, по обыкновению, содержит в себе окружающую обстановку – детали окружения, где находятся ваши объекты. Задний фон обычно придает ощущение глубины. Использование глубины пространства в своей сцене может очень пригодиться для придания сцене динамики. Динамические композиции склонны создавать впечатление, что вещи с заднего плана вот-вот передвинутся на средний или передний план.
Передний план в сцене обычно содержит поддерживающие детали, которые помогают погрузить зрителя в картину. Обычно детали на переднем плане не так важны, как те, которые находятся на среднем плане, но композиция в целом будет смотреться намного выигрышнее, если элементы переднего плана взяты под контроль. Если вы посмотрите на изображение выше, та стойка и барьер, которые расположены ближе к нам с правой стороны, дают нам представление о масштабах интерьера в кабине поезда. Если бы мы убрали передний план…
Это ранняя незавершенная версия предыдущего рисунка, до того, как был удален передний план.
…наше положение в кабине поезда полностью меняется. У нас пропадает ощущение, что мы стоим напротив противоположной стены, и смотрим на девушку, стоящую на выходе. Скорее возникает ощущение того, что мы стоим посреди большой комнаты, нежели в кабине поезда.
Передний план играет еще одну важную роль – в постановке дистанций между вами, зрителе, и действием/объектом сцены. Передний план может расположить перегородки на пути, который вы должны проделать при просмотре рисунка, или даже предоставить для зрителя укрытие, что придало бы рисунку более вуайристическое ощущение. В противном случае, рисунок без этих вещей, или с передним планом с элементами, которые не являются преграждающими, могут придать зрителю ощущение присутствия в плоскости рисунка.
На примере выше видно, что передний план не останавливает нас на входе в сцену. Однако, у нас есть ощущение, будто мы не должны просто так туда входить. Элементы переднего плана создают впечатление закрытого пространства, как будто это чья-то частная собственность. Если бы на переднем плане не было столба, растений, и стены, это пространство смотрелось бы более открытым, общественным, и доступным для нас.
Планы для своей композиции вы выбираете полностью на свое усмотрение. Можно нарисовать экспансивный рисунок с глубоким задним фоном, эпическим средним планом, и передним планом прямо возле камеры. Можно также создать композицию, которая создает ощущение замкнутого помещения, где все сконцентрировано прямо на переднем плане. Все зависит от вашего желания. Просто отнеситесь к этому серьезно – особенно если появляется ощущение типа «чего-то не хватает…»
ГОЛЛАНДСКИЕ/ОСТРЫЕ УГЛЫ:
Голландские углы – это техника, используемая в композиции для создания чувства необычности или «неправильности» сцены. В голландском угле камера находится под наклоном, при этом линия горизонта уже не параллельна нижней части рисунка. Все это создает у зрителя ощущение нестабильности.
Посмотрите на этот футуристический Ломбард, который я нарисовал.
Я использовал здесь голландский угол, чтобы создать ощущение угловатости или некого дискомфорта.
Если бы этот рисунок не был нарисован под голландским углом, вызвал бы он тот же эффект?
Скорее всего, нет.
Тем не менее, голландский угол не всегда нацелен на вызывание непростых ощущений. В зависимости от объекта, наклон композиции может сделать сцену более динамичной и цепляющей взгляд, особенно в сценах с множеством действий и скорости. И все же я советую использовать голландский угол только по необходимости. Этот прием может быстро устареть, если он слишком часто проглядывается в вашей галерее.
7: ВДОХНОВИТЕСЬ
Не можете думать? Сидите перед чистым листом и не знаете с чего начать? Без паники! Существует множество источников, где можно почерпнуть какие-то идеи. Фильмы и комиксы – одни из лучших в этом смысле – особенно анимационные фильмы, потому что в них заметен больший контроль угла наклона камеры и композиции сцены. Обратите внимание на особые детали, особенно на те, которые предлагают раскадровку аниматиков. Если вы находите что-то, что вам понравилось, не нужно бояться использовать это в своей собственной работе.
СМОТРИ И УЧИСЬ
Хотите несколько советов на тему режиссеров и фильмов, которые являются очень композиционно грамотными? Сделайте себе одолжение и пристально изучите некоторые предпочтения друзей и свои личные предпочтения…
- Фильмы Pixar: Фильмы Pixar очень грамотно собраны сцена за сценой. Одно из однозначно сильных фильмов Pixar является фильм «Суперсемейка» (The Incredibles). Персонажи Суперсемейки, хорошо поставленные композиции, отличное использование света и цвета, и фантастическая проницательность директора Брэда Берда (Brad Bird) и аниматоров, работавших над этим фильмом. Также приложенная на DVD прекрасная подборка кадров из фильма. Все это стоит того, чтобы посмотреть этот фильм и увидеть, как все, о чем говорилось в этом уроке, применяется в действии.
- Фильмы Акиры Куросава (Akira Kurosawa): Куросава виртуозно использует контекст, вместо объектов, чтобы рассказать историю. Здесь можно говорить о концепции «лучше меньше, да лучше». То, как персонаж стоит или действует в рамках кадра, рассказывает историю без вовлечения в одну картинку каждого возможного события. Его фильмы могут вдохновить на использование простого языка тела для объяснения событий, вместо того, чтобы создавать брутальный экшн.
- Фильмы Хайао Миязаки (Hayao Miyazaki): Мийазаки очень красиво использует передний, средний и задний планы. Вместо того, чтобы постоянно показывать персонажа целиком, очень часто они перекрываются объектами на переднем и среднем планах, помогая, тем самым, поместить персонажа в обстановку, сделать его частью этой обстановки.
- Фильмы Уэса Андерсона (Wes Anderson): У Уэсв Андерсонв какой-то волшебный подход к фильмам. Он очень аккуратно использует соотношение цветов и размером разных персонажей и объектов в пределах нескольких кадров. Уэс Андерсон любит использовать плоские композиции, когда большая часть сцены сведена к среднему плану. В его фильмах красный цвет практически всегда применяется к тем объектам, которые он хочет больше всего выделить.
ФОТОГРАФИЯ
Это то, что я бы посоветовал большинству художников попробовать. Фотография – очень хороший способ научиться создавать красивые композиции, особенно если попытаться сфотографировать что-то движущееся. Чтобы получить хорошие снимки, нужно совместить быструю реакцию мозга, время и рефлексы, и хорошее видение. Чем лучше вы будете в фотографии, тем больше это будет проявляться в ваших художественных работах. Если вы более открыто будете думать о том, чтобы разглядеть и сфотографировать интересную или абстрактную композицию в реальной жизни, вы параллельно начнете думать о том, как еще больше улучшить ваши нарисованные композиции. Это также может помочь создать большой архив фото-образцов, которые можно будет использовать в дальнейшем в своих рисунках. Беспроигрышный вариант!